Utilizando el ornamentado y reverberante espacio de la Capilla como un magnífico paisaje sonoro, el programa programa de Agarita de esta noche está inspirado en la profunda obra de Andrea Casarrubios, Seven para violonchelo solo, que es la pieza central del concierto. Pero antes de presentar esta reciente obra inspirada en la pandemia, comenzamos el viaje de esta noche hacia nuestro interior con una obra maestra de la Era Clásica.

programa

W.A. MOZART | PIANO CONCERTO NO. 23 | ADAGIO

JESSICA MEYER | BUT NOT UNTIL

HANS KRÁSA | TANEC FOR STRING TRIO

ANDREA CASARRUBIOS | SEVEN

D. SHOSTAKOVICH | PIANO TRIO NO. 2 IN E MINOR | LARGO AND ALLEGRETTO

CHRISTOPHER CERRONE | HOYT-SCHERMERHORN

J. BRAHMS | PIANO QUARTET NO. 3 IN C MINOR | ALLEGRO NON TROPPO

Notas del programa

Wolfgang Amadeus Mozart, genio que elevó a la excelencia cualquier género que tocó, sonatas, sinfonías, óperas, cuartetos de cuerda, conciertos. Su dominio integral de estas formas es una hazaña impactante para un ser humano. En cuanto al género de los conciertos para piano, hubo anteriormente conciertos para teclado de Haydn, Carl Phillip Emanuel Bach y otros (e incluso el Concierto de Brandeburgo nº 5 de J.S. Bach de la época barroca que son un ejemplo temprano con una enorme parte de clavecín), pero el concierto número 27 de Mozart para piano realmente demuestran al mundo las posibilidades dramáticas del género. Sus conciertos posteriores, incluido el Concierto para piano núm. 23 en La mayor, cuyo movimiento Adagio escucharán en este programa, alcanzó un nivel de profundidad musical en la escala de las óperas y sinfonías, que fueron tomadas más en serio en ese momento. Este Adagio, de hecho, recuerda un estilo operístico con sus melodías de teclado parecidas a arias y su ritmo pastoral de estilo siliciano, común en las arias de la época barroca décadas anteriores. La interpretación de este programa ha sido arreglada por Agarita para cuarteto de piano; el oyente pierde el sonido de la flauta, los clarinetes, los fagotes y las trompas que se utilizaron en la instrumentación original más amplia, pero gana una sensación más profunda de intimidad y matices personales que representa la música de cámara.

Jessica Meyer es una galardonada compositora y violista residente de la ciudad de Nueva York. Su gran variedad de estilos, desde el clásico hasta el raga indio pasando por el violín Apalache,  expresa una voz única. Sobre su trabajo para dos violas titulado But Not Until, Meyer escribe lo siguiente: But Not Until es un dúo basado en una serie de experiencias irónicamente interpersonales que me recordaron la cita de David Foster Wallace: “La verdad te hará libre. Pero no hasta que haya terminado contigo”.

Esta es la primera actuación de Sarah Silver Manzke con la viola, en lugar del violín.

El compositor checo Hans Krása fue uno de los muchos grandes artistas que fueron ejecutados en Auschwitz en 1944. Increíblemente, Krása todavía escribía mientras estaba en prisión y su obra Tanec (“Danza”) para trío de cuerdas está llena de vitalidad. Con reminiscencias de Béla Bartók, Krása utiliza el estilo folklórico como expresión, con una sección intermedia muy tierna y conmovedora, sorprendentemente romántica para una obra que, por lo demás, tiene un carácter desenfrenado. La pequeña obra, de sólo unos cinco minutos de duración, abarca una poderosa gama de estados emocionales en un breve período. Es difícil no preguntarse qué otras obras podría haber expresado este compositor si le hubieran salvado la vida.

La violonchelista y compositora española Andrea Casarrubios es una reconocida intérprete que está siendo aclamada por sus composiciones. Siete, para violonchelo solo, es quizás su obra más importante hasta la fecha y el contexto de la obra es especialmente significativo. Casarrubios escribe lo siguiente sobre la obra:

Encargado por Astral Artists y Thomas Mesa para su proyecto Songs of Isolation, Seven es un homenaje a los trabajadores esenciales durante la pandemia de COVID-19, así como a aquellos que perdieron la vida y aún sufren la crisis. La pieza termina con siete sonidos parecidos a campanadas, en alusión al tributo diario de Nueva York a las 7 p.m. durante el encierro, el momento en que los neoyorquinos aplaudieron desde sus ventanas, conectándose entre sí y expresando aprecio por aquellos en primera línea de ayuda sanitaria.

En 1943, Dmitri Shostakovich mencionó haber comenzado a trabajar en un trío de piano “con temas populares rusos” que estaría dedicado a su amigo, el erudito ruso Ivan Sollertinsky. Sin embargo, antes de que Shostakovich completara el primer movimiento, Sollertinsky falleció debido a problemas cardíacos. La muerte impactó profundamente al compositor: "es imposible expresar con palabras todo el dolor que me invadió al escuchar la noticia de su muerte", escribió a la viuda de Sollertinsky, y proclamó que "vivir sin él será insoportablemente difícil". Luchando contra la depresión durante este proceso de duelo, Shostakovich tuvo dificultades para componer e incluso afirmó que "me parece que nunca más podré componer otra nota". Su Trío con piano núm. 2 en mi menor nació de esta intensa oscuridad. El tercer movimiento, Largo, es una desgarradora passacaglia. En este movimiento, el piano repite la misma progresión de acordes de 8 compases lo que permite al violín y al violonchelo intercambiar sus crudas melodías para expresar un intenso dolor. El movimiento final, Allegretto – Adagio es una “Danza de la Muerte” que se inspiró, según el biógrafo Ian MacDonald, en horribles informes de que los guardias de los campos de concentración obligaban a los judíos a bailar junto a sus propias tumbas antes de ejecutarlos. La música es sardónica y perversa, con carcajadas entrecortadas que eventualmente se convierten en melodías que utilizan escalas de música judías. La pasión y la intensidad de este trío es algo que el género apenas había conocido, y la obra sigue siendo uno de los tríos más importantes y poderosos de la literatura.

Chris Cerrone, compositor nominado a un GRAMMY, utiliza la electrónica para crear timbres y colores como forma de expresión musical. Su dominio del género electroacústico se ejemplifica en su obra Hoyt-Schermerhorn, sobre la cual Cerrone escribe:

Hoyt–Schermerhorn es un homenaje al paisaje nocturno de Nueva York. La pieza, que lleva el nombre de una estación de metro de Brooklyn donde he pasado muchas noches esperando el tren, explora los innumerables y contradictorios sentimientos que a menudo me sobrevienen a altas horas de la noche en la ciudad de mi elección: nostalgia, ansiedad, alegría, pánico. Originalmente, Hoyt-Schermerhorn se concibió como una partitura gráfica. En la primera versión las sonoridades se elegían al inicio de la pieza a criterio del pianista. Al hacer esto, intentaba capturar una especie de textura automática o intuitiva. Sin embargo, finalmente decidí que lo que quería era mi propia intuición; Para crear una textura improvisada y casi sin rumbo, en realidad tuve que trabajar con mucha intensidad y diligencia para crear lo que deseaba que sonara como una improvisación sin esfuerzo. Esta sección se transforma lentamente en la segunda mitad de la pieza, una (mayormente) suave y gentil canción de cuna, recubierta con un fragmento de componentes electrónicos fragmentados que rompen la silenciosa neblina.

Es bien sabido entre los músicos que el corazón de Johannes Brahms está en sus obras de música de cámara. Su voz es caracterizada por el equilibrio perfecto entre los instrumentos, el tipo de diálogo entre ellos y su característico timbre hacen que este género destaque en su repertorio. Los tres cuartetos para piano de Brahms son increíblemente diferentes entre sí en cuanto a humor y estilo, siendo el Cuarteto para piano en do menor el más sobrio. Los biógrafos coinciden en que esta obra está fuertemente influenciada por su amor no correspondido por Clara Schumann, la esposa de su mentor Robert Schumann, cuyo nombre se detalla sutilmente en uno de los motivos temáticos del primer movimiento. Cuando Brahms escribió un borrador de la pieza 20 años antes de regresar a ella y completarla, Robert Schumann tenía mala salud y fue obligado a ingresar en un asilo, donde murió en 1856. Aunque se discuten las circunstancias, los esfuerzos de Brahms por unirse con Clara fracasaron y una profunda depresión afligió al compositor. Las referencias a Las penas del joven Werther de Goethe (una oscura historia de amor no correspondido) ayudan a contextualizar aún más el estado mental de Brahms mientras escribía este artículo. El primer movimiento Allegro non troppo, programado esta noche, comienza con un acorde desnudo en el piano, al que las cuerdas responden nerviosamente. Después de una introducción misteriosa, lo que suenan como disparos desde el piano (dos acordes fortissimo) comienzan apropiadamente la pieza. La intensidad de este movimiento dramático no deja de tener alivio: el segundo tema, introducido por el piano, es coral, celestial y ofrece un respiro y algo de esperanza. Sin embargo, la oscuridad vuelve a envolver la música terminando con más calma de lo esperado, incierto y en un estado de agotamiento emocional.