El violinista Daniel Chong y la violista Jessica Bodner del Parker String Quartet, ganador de un Grammy, se unen a Agarita en un programa inspirado en la influencia de la música folclórica estadounidense. Compositores de este programa incluyen Antonin Dvorak, Jessie Montgomery, Florence Price, Steve Reich, John Williams y George Gershwin.

 

Artistas Invitados

 

Daniel Chong

El violinista ganador de un GRAMMY Daniel Chong es uno de los músicos más apasionantes y versátiles de su generación. Desde 2002, como primer violinista fundador del Parker Quartet, ha obtenido un amplio reconocimiento por sus actuaciones en lugares como el Carnegie Hall, la Biblioteca del Congreso, Musikverein y Wigmore Hall. Además, sus recientes compromisos en solitario incluyen apariciones en el National Sawdust de la ciudad de Nueva York, el Seoul Arts Center y el Jordan Hall de Boston. El Sr. Chong ha recibido varios premios y reconocimientos, como el Cleveland Quartet Award y los principales premios en el Concert Artists Guild Competition y el Bordeaux International String Quartet Competition. En el ámbito discografico, se le puede escuchar en los sellos ECM Records, Zig-Zag Territoires, Naxos y Nimbus Records. El Sr. Chong ha actuado en importantes festivales de música, incluidos el Festival de Música de Marlboro, Música de Cámara del Noroeste, Mostly Mozart, Festspiele Mecklenburg-Vorpommern y el Festival de Música Perigord Noir. Además del repertorio principal, Daniel es un firme defensor de la nueva música. Algunos de los compositores con los que ha trabajado estrechamente son György Kurtág, Augusta Read Thomas, Helmut Lachenmann y Chaya Czernowin. Actualmente, el Sr. Chong se desempeña como profesor de práctica en la Universidad de Harvard.

Jessica Bodner

Jessica Bodner, descrita por el New York Times como una "solista conmovedora", es la violista del Parker Quartet, ganador de un GRAMMY. Nacida en Houston, TX, Jessica comenzó sus estudios musicales con el violín a la edad de dos años y luego pasó a la viola a los doce años debido a su amor por la sonoridad más profunda de dicho instrumento. La Sra. Bodner ha aparecido recientemente en lugares como el Carnegie Hall, 92nd Street Y, la Biblioteca del Congreso, el Concertgebouw (Ámsterdam), el Wigmore Hall (Londres), el Musikverein (Viena), la Sociedad de Música de Cámara de Filadelfia y el Centro de Artes de Seúl, y ha aparecido en festivales como Chamber Music Northwest, Chamberfest Cleveland, Lake Champlain Chamber Music Festival, Yellow Barn, Perigord Noir en Francia, Monte Carlo Spring Arts Festival, San Miguel de Allende, Cemal Recit Rey de Estambul, Mecklemburgo-Pomerania Occidental, Hitzacker y Heidelberg String Quartet. Festival. Como miembro del Parker Quartet, ha grabado para ECM, Zig-Zag Territoires, Nimbus y Naxos. Entre sus colaboradores recientes se encuentran la mezzosoprano Fleur Barron, los clarinetistas Charles Neidich y Jörg Widmann, los pianistas Menahem Pressler, Shai Wosner, Gloria Chien y Orion Weiss, los violinistas Soovin Kim y Donald Weilerstein, los violistas Kim Kashkashian y Roger Tapping, los violonchelistas Deborah Pae y Marcy Rosen. , Natasha Brofsky y Paul Katz, y el percusionista Ian Rosenbaum. Jessica es miembro de la facultad del Departamento de Música de la Universidad de Harvard como profesora de práctica junto con el nombramiento del Parker Quartet como Blodgett Quartet-in-Residence. Ha ocupado puestos de profesora visitante en el Conservatorio de Nueva Inglaterra y la Escuela de Música Longy, se desempeñó como profesora en el Centro Banff para las Artes y la Creatividad y en el Festival Yellow Barn, y ha impartido clases magistrales en instituciones como la Escuela de Música Eastman, el Conservatorio de San Francisco, Amherst College, Universidad de Minnesota y en el programa El Sistema en Venezuela. Además de la música, a Jessica le gusta cocinar, correr, practicar yoga y hacer senderismo con su esposo, el violinista Daniel Chong, su hijo Cole y su vizsla, Bodie.

Notas del Programa

El movimiento n.º 3 del quinteto de cuerdas en mi bemol mayor de Antonin Dvorak fue escrito en 1893 durante su estancia en Spillville, Iowa. Al componer la obra, Dvorak se inspiró en las sonoridades pentatónicas de los nativos americanos y los afroamericanos, mezclando sonidos tribales melódicos y de percusión en su música junto con los estilos de composición europeos que dominaba. El quinteto fue escrito casi al mismo tiempo que su famosa Sinfonía “Nuevo Mundo”. Junto con su Cuarteto de Cuerda “Americano”, este trabajo demuestra el claro entusiasmo de Dvorak por Estados Unidos y su curiosidad por lo que podría ser el sonido “americano”. Dvorak incluso tenía un interés conocido en crear un nuevo himno nacional estadounidense. El primer movimiento del quinteto de cuerda de Dvorak, Allegro non tanto, comienza con la sensación de un amanecer optimista, pero este pacifico caracter se convierte en una pasión desenfrenada y una sensación de pura determinación. Una amorosa sonrisa nunca está lejos de la narrativa musical de Dvorak.

Jessie Montgomery es una aclamada compositora, violinista y profesora cuya música entrelaza la música clásica con elementos de la música vernácula, la improvisación, la poesía y la conciencia social, lo que la convierte en una aguda intérprete del sonido y las experiencias estadounidenses del siglo XXI. Sobre su trabajo Strum, Montgomery escribe: Strum es el resultado culminante de varias versiones de un quinteto de cuerda que escribí en 2006. En 2012, la pieza pasó por sus revisiones finales con una reescritura tanto de la introducción como del final para el Catalyst Quartet en una actuación que celebraba el 15º Concurso anual Sphinx. Originalmente concebido para la formación de un quinteto de violonchelo, la voz a menudo se distribuye ampliamente por todo el conjunto, dando a la música una calidad de sonido expansiva. En Strum utilicé motivos de textura, capas de ostinati rítmicos o armónicos que se unen para formar un lecho de sonido para que las melodías entren y salgan. El pizzicato rasgueado sirve como motivo de textura y como principal fundamento rítmico de la pieza. Basándose en modismos populares estadounidenses y el espíritu de danza y movimiento, la pieza tiene un tipo de narrativa que comienza con una nostalgia fugaz y se transforma en una celebración extática.

Florence Price, la primera compositora afroamericana reconocida como compositora sinfónica, perseveró a través de luchas relacionadas con la raza, un marido abusivo y problemas financieros para convertirse en uno de los compositores estadounidenses más importantes excluidos de la literatura musical canónica. A través de su alumna y amiga Margaret Bonds, conoció al escritor Langston Hughes y a la contralto Marian Anderson, quienes la ayudaron en su carrera. Aunque su formación en composición en el Conservatorio de Nueva Inglaterra derivó de la tradición europea, su estilo refleja una mezcla de romanticismo, raíces sureñas, espirituales afroamericanos y blues. La Juba es una danza afroamericana, originaria de pueblos esclavizados del Congo y Charleston en Carolina del Sur, que se desarrolló como una danza afroamericana en las plantaciones y luego se incluyó en espectáculos de juglares. Florence Price se basó en elementos del Juba en muchas de sus obras, incluidas sus sinfonías y aquí en el tercer movimiento de su Quinteto para piano en la menor: “En todas mis obras que han sido realizadas en forma de sonata con lenguaje negroide, He incorporado una juba como uno de los varios movimientos porque me parece que no es más imposible concebir una música negroide sin el tema espiritualista, por un lado, que los ritmos fuertemente sincopados de la juba, por el otro”. De vez en cuando, viajando a una tonalidad menor, este movimiento primordialmente mayor y parte jubiloso con melodías que suelen ser pasadas entre el violín y el piano y que culminan en armonías en cascada que permiten que todos los instrumentos canten.

Bohuslav Martinů, nacido en 1890, fue un compositor checo de la música clásica moderna. Comenzó su carrera musical como un prodigio del violín, pero pronto desarrolló una fascinación por la composición y pasó a liderar una ilustre carrera como compositor. Al necesitar huir de Europa en 1941, acabo emigrando a los Estados Unidos y regresó a Europa en 1956 hacia el final de su vida. La música para esta combinación de dúo (violín y viola) es rara. Los dos dúos de Mozart para esta instrumentación son quizás los más famosos, y aquí es donde Martinů se inspiró, junto con los madrigales ingleses del período del Renacimiento. El tercer movimiento, presentado en este programa, es un vibrante baile contrapuntístico. Virtuoso, armónicamente vertiginoso y lleno de diálogo incesante entre los instrumentos, este movimiento Allegro es una muestra espectacular de técnica y maestría musical.

El pianista y compositor estadounidense John Novacek es un aclamado solista y músico de cámara que realiza giras activas. Actuará en enero con el Olmos Ensemble de San Antonio como pianista invitado. Como compositor, tiene un sentido del estilo para la música estadounidense que es una mezcla original de elementos más antiguos como el ragtime y el blues con armonías más modernas. Sus Four Rags for Violin and Piano, de los cuales interpretamos dos, son un conjunto ecléctico de obras maestras inspiradas en la sensación del ragtime, que utiliza stride piano, slides para violín, ritmos swing y otros elementos de ese estilo.

William Bolcom es un compositor y pianista estadounidense ganador del premio Pulitzer, quizás más conocido por revitalizar el género ragtime. Además de sus influencias claras en el tiempo, el blues y el jazz (por ejemplo, Scott Joplin, George Gershwin), también fue influenciado por el compositor francés Darius Milhaud.

Mientras que muchos de los rags más famosos de Bolcom tienen un ritmo tradicionalmente lento, su Incineratorag es animado, alegre y un poco tonto.

El Libro de supuestas danzas de John es un conjunto de danzas para cuarteto de cuerdas del compositor John Adams. Según Adams, los bailes son “supuestos” porque “los pasos para ellos aún no se habían inventado”. Muchos de los bailes, incluido el Dogjam de este programa, requieren la adición de sonidos de piano preparados y grabados, que añaden complejidad rítmica y textural a la pieza.

La violonchelista española Andrea Casarrubios es una aclamada solista y músico de cámara, con actuaciones en toda Europa, Asia, África y América. Ganador del primer premio de numerosos concursos y premios internacionales, Casarrubios ha actuado en el Carnegie Hall, el Walt Disney Concert Hall, el Lincoln Center y los festivales Piatigorsky, Ravinia y Verbier. Más recientemente, ha florecido como compositora: como compositora residente en el Festival de Música de Cámara de Crescent City (2020-22), las composiciones de Casarrubios han sido programadas en todo el mundo, presentadas por organizaciones como la Orquesta de Filadelfia, la Orquesta Sinfónica de Chicago , la Orquesta Sinfónica de Indianápolis, el Carnegie Hall, la Sphinx Organization, Washington Performing Arts, Manhattan Chamber Players, el Parlamento Europeo, NPR y Radio Nacional de España (RNE). Sobre su obra…en la era del ruido, Casarrubios escribe:

…en la era del ruido para trío de cuerdas se estrenó por internet durante la pandemia en Filadelfia por miembros de los Cuartetos de Cuerda Dover y Escher. Esta breve pieza fue encargada por Manhattan Chamber Players para un proyecto llamado "MCP's Sketchbook: Quarantine Art in the Making". Los gestos iniciales son como respiraciones y el silencio es uno de los elementos principales de la música en esta obra.

Sobre su obra Maktub, Cassarubios escribe:

Este trío fue escrito en Los Ángeles para el VI Festival Boccherini en España. El primer movimiento, Mirage, representa paisajes sonoros del desierto, en los que la música pasa de la desorientación a una danza folclórica feroz y enloquecedora. Vivo en Estados Unidos desde que tenía 18 años y es uno de los lugares más maravillosamente cosmopolitas que he conocido. Maktub tiene esas influencias impresas en el tejido de su música. En América, además de viajes musicales a Asia y Europa, conocí personas de diversos orígenes, personas de las que aprendí muchísimo, que me abrieron un amplio abanico de conocimientos, pensamientos y sonoridades.

El pianista estadounidense Earl Wild fue un virtuoso del siglo XX, llamado por el crítico Harold Schonberg un “supervirtuoso en la clase de Horowitz”. Tiene el honor de ser el único pianista que ha tocado para seis presidentes consecutivos en la Casa Blanca, desde Herbert Hoover hasta Lyndon B. Johnson. Las interpretaciones y transcripciones de música estadounidense de Wild, en particular de George Gershwin, son particularmente magníficas, y sus 7 estudios virtuosos basados ​​en canciones de Gershwin todavía son interpretados por concertistas de piano. Embraceable You fue escrita en 1928 para una opereta inédita y luego publicada en 1930 e incluida en el musical de Broadway Girl Crazy de ese año. Desde entonces, se ha convertido en uno de los estándares del jazz más famosos.

El compositor y pianista Paul Schoenfield escribe música que combina formas clásicas, folk y populares. Schoenfield, que fue concertista, ahora enseña composición en la Universidad de Michigan.

Acerca de Café Music, Schoenfield escribe:

La idea de componer Café Music se me ocurrió por primera vez en 1985, después de sentarme una noche para el pianista en el restaurante Murray's en Minneapolis, Minnesota. Murray's emplea un trío que toca música entretenida para la cena en una amplia variedad de estilos. Mi intención era escribir una especie de música de alta calidad para cenar, música que pudiera tocarse en un restaurante, pero que también pudiera (por poco) llegar a una sala de conciertos. La obra se basa en muchos de los tipos de música que toca el trío en Murray's. Por ejemplo, están representados los estilos americano, vienés, clásico ligero, gitano y Broadway de principios del siglo XX.

Steve Reich es uno de los principales contribuyentes al movimiento musical minimalista que comenzó en la década de 1960. La música minimalista suele ser muy simple en textura, armonía y melodía, y suele comenzar con un patrón rítmico claro y directo que se va manipulando muy gradualmente. Clapping Music es una obra revolucionaria en el género clásico en el sentido de que el cuerpo humano es el único instrumento necesario. Originalmente para dos personas, la obra consta de dos partes: una parte es un control, en el que el mismo ritmo (la apertura de la pieza) se repite todo el tiempo. La otra parte, cada 12 compases aproximadamente, cambia una octava nota para crear un nuevo patrón. Finalmente, la música vuelve al unísono donde comenzó, después de que se ha cambiado cada octava nota y el patrón regresa. La obra fue inspirada en un espectáculo de danza flamenca en Europa, para el cual las palmas son un elemento clave.

 

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AGARITA