Spanish 4 Estaciones
En 2012, Max Richter recomuso Las cuatro estaciones con su propia voz, impregnando los célebres motivos barrocos de Vivaldi de una hondura contemporánea que le valió reconocimiento mundial. Viva la fuerza de esta obra monumental en directo, en el sobrecogedor marco de la Capilla del Verbo Encarnado, con invitados especiales y los toques únicos de Agarita.
programa
Notas del programa
Los arreglos son complicados, especialmente en el ámbito de la música clásica. Por un lado, tomar una obra de la época barroca y adaptarla para la escucha contemporánea puede ser una magnífica forma de resucitarla, contextualizándola para públicos que necesitan una perspectiva distinta para comprender su fuerza expresiva. El gran arte puede ser intemporal, pero el contexto cultural y estético cambia con el tiempo. Ofrecer un prisma de comprensión a través de un “arreglo” puede tender un puente necesario entre el oyente y la esencia profunda de la obra de un compositor. Por otro lado, un arreglo que no capta o malinterpreta esa esencia, que devalúa el original al diluirlo, o que intenta medirse con él compitiendo con su fuerza inherente, puede dejar fácilmente al oyente insatisfecho y deseoso del poder genuino de la obra primigenia.
Entonces, ¿dónde se sitúa el compositor contemporáneo Max Richter con su valiente “recomposición” de Las cuatro estaciones, ya de por sí célebres, de Vivaldi? Pues bien —y en esto Richter es sabio—, no se trata en realidad de un arreglo. Para empezar, la instrumentación es prácticamente la misma: violines, violas, violonchelos y bajo continuo (incluido el tradicional clave). El timbre o el color esencial de la música no se actualiza en modo alguno. Y, sin embargo, Richter decide no competir musicalmente con Vivaldi, sino tomar fragmentos o motivos importantes de su obra y reencuadrarlos dentro de su propia voz compositiva moderna. Reconocemos con toda claridad a Vivaldi en Richter, pero es como si Richter tomara una tela barroca y confeccionara con ella un vestido contemporáneo. Percibe algo de sugestivamente minimalista y moderno en los motivos repetitivos de Vivaldi, y ofrece a esos motivos un nuevo hogar musical, con metas expresivas diferentes.
Creo que por esta razón Richter eligió titular su obra Las cuatro estaciones recomposed. “Recomponer” elude la cuestión de competir con el original o incluso de modernizarlo para mejorarlo o hacerlo más “relevante”. Más bien, utiliza la obra maestra de Vivaldi (¡y una buena parte de ella!) como fuente de inspiración para su propia expresión. Si el homenaje de Richter resulta exitoso, es porque ha encontrado una sinergia entre la voz expresiva de Vivaldi y la suya. Los motivos de Vivaldi son las herramientas y el material; las estructuras posminimalistas y las armonías contemporáneas de Richter son el marco.
En este programa se ha añadido un poco del Vivaldi original (el primer movimiento de La primavera y el tercer movimiento de El verano) a la obra monumental de Richter, y el orden de las estaciones ha sido reordenado: Primavera, Invierno, Verano y Otoño. No podemos esperar para compartir con ustedes esta obra maestra, en el espacio perfecto para una música tan transportadora.
Con la participación de
La violinista estadounidense Isabelle Ai Durrenberger es elogiada por sus interpretaciones imaginativas e impactantes, así como por su capacidad de comunicar con un arte sincero. Actualmente reside en Nueva York, donde fue nombrada recientemente primer violín del renombrado Aeolus Quartet y participó como becaria (2023-25) en el programa Ensemble Connect de Carnegie Hall. Apasionada de la música de cámara, Isabelle es reconocida a nivel nacional por su instinto colaborativo único.
Su temporada 2024-25 incluye compromisos solistas y de cámara con la Boston Chamber Music Society, los Jupiter Chamber Players (Nueva York), la Orpheus Chamber Orchestra en Carnegie Hall (Nueva York), The Knights (Nueva York) y la orquesta de cámara sin director nominada a los Grammy A Far Cry (Boston). En 2022 completó sus estudios de posgrado en el New England Conservatory de Boston, donde trabajó con Soovin Kim y Don Weilerstein. En los últimos veranos ha participado en el Marlboro Music Festival, Lake Champlain Chamber Music Festival y Four Seasons Spring Workshop.
Isabelle también disfruta explorando la música a través de la enseñanza: mantiene un estudio privado de violín en Nueva York y forma parte del profesorado de violín en la escuela preparatoria del New England Conservatory en Boston, donde imparte clases individuales y dirige agrupaciones de cámara. Más información sobre cómo estudiar con Isabelle puede encontrarse en el apartado lessons.
Su vida musical comenzó prácticamente desde su nacimiento: sus dos padres son pianistas y pedagogos. Empezó a tocar el piano a los cuatro años, pero al observar que le apasionaba cantar, sus padres pensaron que disfrutaría “cantando” con el violín; así, comenzó sus lecciones a los siete años. Creció en Columbus (Ohio) y tuvo la gran fortuna de conocer a Jaime Laredo a los 13 años. Estudió cuatro veranos en la Meadowmount School of Music, terminó el instituto un año antes de lo habitual e inició su licenciatura en Cleveland a los 16 años. Obtuvo su B.M. en el Cleveland Institute of Music, donde fue discípula de Jaime Laredo durante siete años. Otros de sus mentores e influencias incluyen a Jennifer Koh, Sharon Robinson, Joan Kwuon, Jinjoo Cho, Jan Mark Sloman y Jun Kim.
En 2021 fue Artist Fellow del proyecto educativo Alone Together, liderado por Jennifer Koh y ARCO Collaborative. Esta experiencia, que le permitió trabajar con compositoras y compositores como Tania León, Du Yun y Missy Mazzoli, inspiró su compromiso de dar prioridad a la programación de creadores vivos, con especial atención a mujeres y compositores de diversas culturas.
Isabelle ha recibido numerosos reconocimientos y premios por su talento musical. Fue ganadora del Borromeo String Quartet Guest Award (2021-22), lo que le permitió actuar junto al cuarteto en Jordan Hall. En 2020 fue destacada como Featured Young Artist en la serie Music from the Western Reserve. En 2019 obtuvo el Primer Premio y el Premio a la Mejor Interpretación en la Tuesday Musical Competition. También fue galardonada con el 3.er Premio Milton Preves Memorial en el Concurso Internacional de Cuerda Irving M. Klein (2018, San Francisco) y con el primer premio en el Concurso de Conciertos del Cleveland Institute of Music (2017).
Ha colaborado con numerosas orquestas, entre ellas la Columbus Symphony, Asheville Symphony, Cleveland Philharmonic Orchestra, Naples Philharmonic Orchestra y Lakeside Symphony Orchestra, entre muchas otras. Fue semifinalista en el Concurso Internacional de Violín de Indianápolis (2022), en las Young Concert Artists Auditions (2021), y candidata en el Sendai International Music Competition (2019), el Isang Yun Violin Competition (2017) y el Stulberg International String Competition (2017). Ha participado en clases magistrales con Mihaela Martin, Olivier Charlier, David Chan y Noah Bendix-Balgley, además de asistir al IMS Prussia Cove con Gerhard Schulz.
Isabelle ha actuado en varias ocasiones en Carnegie Hall como miembro del New York String Orchestra Seminar. Nacida en Taipéi en 1998, es de ascendencia japonesa, taiwanesa y estadounidense. Actualmente toca un violín Zygmuntowicz de 2020, generosamente cedido por un mecenas privado en Nueva York.
Emily Kelly
Originaria del área de Washington D.C., la violinista Aimee Lopez se convirtió oficialmente en texana al unirse a la San Antonio Symphony en 2008, tras completar una codiciada beca de cuatro años con The New World Symphony bajo la dirección de Michael Tilson Thomas. También es violinista de la Colorado Music Festival Orchestra en Boulder, Colorado.
Ha actuado en escenarios de toda Europa, incluyendo una residencia de un mes de Porgy and Bess de Gershwin en L’Opéra Comique en París y en La Alhambra en España. Aimee ha ofrecido recitales solistas y ha colaborado en conciertos de música de cámara en Washington D.C., Baltimore, Houston, Boulder y Santa Cruz.
Aimee siente una profunda pasión por cultivar mentes y corazones jóvenes a través de la música. Dirige un activo estudio privado de violín, donde desarrolla semanalmente los talentos de jóvenes estudiantes. Antes de su compromiso en San Antonio, obtuvo títulos en el Peabody Institute y en la Shepherd School of Music de la Rice University, donde estudió con Elisabeth Adkins, Violaine Melancon, Shirley Givens y Kathleen Winkler.
Aimee vive en San Antonio con su esposo, Dave, su hijastro, David, y la más reciente incorporación a la familia: su hijo de dos años, Gus.
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El violista Christopher McKay disfruta de una carrera diversa como músico orquestal y de cámara. Es miembro de The Phoenix Symphony desde 2008 y se desempeñó como Acting Assistant Principal Viola desde 2009 hasta 2022. Apasionado de la música de cámara, es miembro fundador de Urban Nocturnes, un conjunto modular dedicado tanto al repertorio tradicional como a la exploración de obras de compositores vivos y poco interpretados. Como agrupación con sede en Phoenix, actualmente son Artistas en Residencia en la Trinity Episcopal Cathedral en el centro de Phoenix, Arizona.
Entre sus interpretaciones en solitario y de cámara destacan el Concierto de Brandeburgo No. 6 de J.S. Bach con la Arizona Bach Society en 2022, Don Quixote de Richard Strauss en 2006, y la Sinfonía Concertante para violín y viola de Mozart en 2004 con la Evansville Philharmonic Orchestra. Entre 2018 y 2022 ofreció conciertos anuales de música de cámara con el Red Rocks Music Festival en Phoenix y Sedona.
Su experiencia orquestal incluye presentaciones con la Utah Symphony, Indianapolis Symphony, varias participaciones veraniegas con la Grant Park Orchestra de Chicago, y ha ocupado puestos en la Louisville Orchestra, Central City Opera Orchestra, Lancaster Festival Orchestra, Evansville Philharmonic, Owensboro Symphony y Baton Rouge Symphony. En 1998 y 2006 fue becario en el Tanglewood Arts Center, donde trabajó con algunos de los más destacados directores del mundo, entre ellos Seiji Ozawa, Bernard Haitink, James Levine, Robert Spano y James Conlon.
Entre 2001 y 2007 fue miembro del Eykamp String Quartet, una posición consorciada entre la Evansville Philharmonic Orchestra y la University of Evansville. Además de interpretar numerosos conciertos anuales en la universidad, los miembros del cuarteto impartían clases de música de cámara y lecciones privadas como Adjunct Instructors, ocupaban puestos principales en la filarmónica y actuaban regularmente en escuelas y conciertos comunitarios a través de programas de educación y extensión musical.
Christopher obtuvo sus títulos en interpretación de viola en la Louisiana State University (BM) y en la Indiana University (MM). Sus principales maestros fueron Alan deVeritch, Jerzy Kosmala y Julian Wilkison, con instrucción adicional de Paul Neubauer y James Dunham.
Nacido en Toronto y criado en Ottawa, Canadá, Jeremy McCoy recibió su formación musical inicial en piano y como coralista. Fue introducido al contrabajo en la escuela secundaria y, durante su etapa escolar, estudió de manera privada con David Currie. Los veranos que pasó en Interlochen y con la National Youth Orchestra of Canada incluyeron lecciones y entrenamiento orquestal con Oscar Zimmerman, Winston Budrow y Thorvald Fredin.
Con el apoyo del Canada Council for the Arts, Jeremy continuó sus estudios en el Curtis Institute of Music con Roger Scott, donde obtuvo el título de Bachelor of Music. Durante su estancia en Curtis, la orquesta de la escuela realizó giras por Europa y actuó bajo la batuta de los legendarios directores Leonard Bernstein y Sergiu Celibidache. Otro momento destacado de sus años de estudiante fue la oportunidad de trabajar con el maestro Klaus Tennstedt como contrabajo principal de la Canadian Chamber Orchestra.
A los veinte años, Jeremy obtuvo un puesto en la National Arts Centre Orchestra de Canadá. La temporada siguiente se unió a la Metropolitan Opera Orchestra, donde, a lo largo de treinta y cinco temporadas, interpretó más de 5,000 funciones bajo los directores musicales James Levine y Yannick Nézet-Séguin, así como con directores invitados como Carlos Kleiber, Kirill Petrenko, Seiji Ozawa, Riccardo Muti, Daniele Gatti, Simon Rattle, Christian Thielemann, Daniel Barenboim, entre otros. Se retiró de su puesto como Assistant Principal double bass en mayo de 2020.
Además de su carrera orquestal, Jeremy ha ofrecido recitales en Lincoln Center, en CBC Radio y para la International Society of Bassists. Ha actuado como solista de concierto con la Atlantic Chamber Orchestra, la Louisiana Philharmonic, Classical Tahoe, la Ottawa Symphony Orchestra y Musica Viva de Nueva York. Como músico de cámara, ha colaborado con miembros de los cuartetos Arditti, Borodin, Cleveland, Emerson, Guarneri, Juilliard y Tokyo, así como con numerosos artistas eminentes y emergentes.
Entre sus participaciones en festivales de verano se encuentran Marlboro, Mostly Mozart, Rockport Music, Banff, Classical Tahoe, Kneisel Hall, Grand Tetons, Bowdoin, Festival Napa Valley, Close Encounters with Music, Lincoln Center Festival, Affinis Festival (Japón), Appalachian Summer Festival, Ottawa International Music Festival, Music and Beyond, Music Festival of the Hamptons y Cooperstown Chamber Music Festival.
Con los conjuntos de música contemporánea de Nueva York Speculum Musicae, Sequitur y Ensemble Sospeso, Jeremy ha participado en numerosos estrenos y ha grabado obras de cámara de maestros modernos como Elliott Carter, David Del Tredici y Thomas Adès. Ha grabado para Deutsche Grammophon, Sony, London-Decca, Phillips, Erato y CBC Records, incluyendo discos ganadores de premios Grammy, así como obras de cámara para Koch Classics, Albany, Naxos, CRI, Mode Records y Concord Jazz.
Como músico de sesión en estudios, ha actuado como contrabajo solista y líder de sección en decenas de bandas sonoras cinematográficas y ha grabado pistas de cuerda para artistas populares como Bruce Springsteen, David Byrne, Lou Reed, Sting y Natalie Merchant. Sus dos discos en solitario han recibido elogios tanto del público como de la crítica: Dialogues with Double Bass (Bridge Records, 2005), una colección ecléctica de dúos, y Baroque Legacy (MSR Classics, 2012), que presenta las sonatas para viola da gamba de J.S. Bach.
Mientras residía en Nueva York, Jeremy formó parte del profesorado de la Manhattan School of Music, Bard College Conservatory of Music, la Cali School of Music en Montclair State University, Columbia y Penn State Universities, Queen’s College CUNY, National Youth Orchestra of Canada y el Bowdoin International Music Festival. Ha impartido clases magistrales en importantes escuelas de música de Estados Unidos, Canadá, Suecia y Japón, y ha escrito artículos para la revista Strings Magazine. Actualmente, reside en San Antonio, Texas, donde enseña de manera privada y actúa tanto localmente como fuera de la ciudad. Sus alumnos, tanto institucionales como privados, ocupan puestos en orquestas de Norteamérica, Europa, Australia y Asia Oriental, y han desarrollado carreras en educación musical universitaria y escolar.
Jeremy interpreta un instrumento excepcional construido por el lutier veneciano Domenico Busan, así como contrabajos de Alfred Meyer (Markneukirchen, Alemania) y Tetsu Suzuki (Cremona, Italia), utilizando cuerdas de Pirastro.