Programa
Suliman Tekalli, Violín
Clarice Assad - Encuentros | La Entrada
Javier Farías - La Noche | El Cante
Antonín Dvořák - Quinteto para Piano No. 2 | Dumka | Scherzo
Chris Rogerson - Danzas Suaves | Aria | Intermezzo
Luigi Boccherini - Fandango
INTERMEDIO
Andrea Casarrubios - Itinerante | Vahos | La Lima
Heitor Villa-Lobos - Preludio No. 1
Claude Debussy - Cuarteto de Cuerdas | Assez vif et bien rythmé
Clarice Assad - Encuentros | Luna y Flor
Claude Debussy - Claro de Luna
Ethan Wickman - Una Inmensidad de Luz
estreno mundial
Notas del Programa
Clarice Assad es una compositora nominada al Grammy, aclamada pianista, innovadora vocalista y educadora, reconocida por sus evocadores colores, ricas texturas y diversa gama estilística. Con una prolífica producción, cuenta con más de 90 obras en su haber, incluyendo numerosos encargos para Carnegie Hall, la Chamber Music Society of Lincoln Center, la Orquestra Sinfônica de São Paulo, ROCO, la Filarmónica de Los Ángeles, el Grand Teton Music Festival, la Sinfonía de Santa Rosa, el Metropolis Ensemble, el Festival de Música Bravo! Vail y el Festival de Música de La Jolla, entre otros. Sobre su nueva obra para nosotros, ENCUENTROS, ella escribe:
Encuentros es un díptico que explora momentos de encuentro, tanto lúdicos como profundos. El primer movimiento, La Entrada, presenta a los intérpretes uno a uno en una entrada teatral, entrelazando ingeniosos gestos musicales con sutil coreografía escénica. Esta apertura llena de vida pulsa con energía, invitando al público a un espacio íntimo e interactivo. El segundo movimiento, Luna y Flor, se inspira en la leyenda amazónica de la Victoria Regia. En este relato, una joven indígena se enamora del reflejo de la luna que brilla sobre el agua y se sumerge en las profundidades del río para alcanzarlo. Conmovido por su devoción, el dios Tupã la transforma en la flor Victoria Regia, un nenúfar de floración nocturna que abre sus pétalos a la luz de la luna. Este movimiento está dedicado a Agarita, cuyo propio encuentro con Pablo Sainz-Villegas inspiró el título de la obra. Luna y Flor se despliega como una meditación romántica sobre el anhelo, la transformación y el misterioso poder de atracción de la belleza que está justo fuera de nuestro alcance.
El compositor chileno-estadounidense Javier Farías es uno de los principales compositores vivos para guitarra. Ganador del Primer Premio en varios concursos, incluido el Concurso de Composición Andrés Segovia, recibió el Premio de la Fundación Fromm de Música en la Universidad de Harvard por su concierto para dos guitarras, compuesto para Sérgio y Odair Assad y la Orquesta YOA de las Américas. Tras interpretar su obra Andean Suite para guitarra y cuarteto de cuerdas el año pasado, nos enamoramos del estilo profundamente expresivo y característico de Farías, y nos entusiasma estrenar esta nueva obra suya para el repertorio. La Noche y El Cante forman parte de un conjunto de tres movimientos que hemos encargado, y Farías escribe que evocan el sufrimiento, la angustia y el espíritu resiliente presentes en los orígenes marginados del arte flamenco.
El compositor chileno-estadounidense Javier Farías es uno de los principales compositores vivos para guitarra. Ganador del Primer Premio en varios concursos, incluido el Concurso de Composición Andrés Segovia, recibió el Premio de la Fundación Fromm de Música en la Universidad de Harvard por su concierto para dos guitarras, compuesto para Sérgio y Odair Assad y la Orquesta YOA de las Américas. Tras interpretar su obra Andean Suite para guitarra y cuarteto de cuerdas el año pasado, nos enamoramos del estilo profundamente expresivo y característico de Farías, y nos entusiasma estrenar esta nueva obra suya para el repertorio. La Noche y El Cante forman parte de un conjunto de tres movimientos que hemos encargado, y Farías escribe que evocan el sufrimiento, la angustia y el espíritu resiliente presentes en los orígenes marginados del arte flamenco.
El Quinteto para Piano de Antonín Dvořák, una de las obras fundamentales del repertorio camerístico, está arraigado en un estilo folclórico checo que se manifiesta con mayor claridad en los movimientos intermedios de este programa.
La Dumka (literalmente "Pensamiento") es una forma eslava que alterna entre la introspección y repentinos estallidos de energía. Abriendo con una melodía profundamente reflexiva en la viola, como una canción recordada desde lejos, la música es interrumpida repetidamente por danzas más luminosas, a veces un recuerdo risueño, otras veces un frenesí extático. En lugar de desarrollarse en un sentido tradicional, el movimiento se despliega como una serie de contrastes emocionales, alternancias entre melancolía y vitalidad que se sienten espontáneas y conversacionales. El tercer movimiento, el scherzo, es un Furiant, una ardiente danza checa conocida por su complejidad rítmica y su impulso. Aquí, Dvořák juega con acentos cambiantes que difuminan el sentido del compás, creando una sensación de propulsión e imprevisibilidad. El trío central ofrece un breve momento de gracia lírica, pero la energía inquieta pronto regresa.
Agarita ha admirado la obra de Chris Rogerson durante varios años, tras interpretar su cuarteto para piano Summer Night Music en numerosas ocasiones y observar cómo su carrera como compositor continúa floreciendo. Frecuentemente encargado por los mejores artistas y series, más recientemente por el Cuarteto Escher para un concierto de la Chamber Music Society of Lincoln Center en el Alice Tully Hall, ha escrito para el chelista Yo-Yo Ma, el violinista Ben Beilman, la pianista Anne-Marie McDermott, el Cuarteto Dover y más. Su nueva obra para nosotros en este programa, Gentle Dances, comienza como una evocación del Barroco, con una aria reflexiva. Un bordón persistente en las cuerdas, como un cielo neblinoso, colorea el entorno para la guitarra, que canta libremente sus expresivas melodías al estilo de un canto antiguo. Tras intensificarse la música en algo más exuberante y unificado, regresamos a la quietud con la que comenzamos. El segundo movimiento es una danza sencilla. Está estructurada y es cortesana, pero teñida de melancolía, como si estuviera ligeramente quebrada. El ritmo sugiere quizás la danza barroca Loure, pero la armonía sugiere otra danza: entre menor y mayor, esperanzadora y oscura.
El compositor italiano y virtuoso chelista Luigi Boccherini compuso más de 100 quintetos de cuerdas, que presentaban la inusual instrumentación de un violonchelo adicional en lugar de una viola adicional. Sin embargo, el quinteto en el programa de hoy, su Quinteto No. 4 en Re Mayor, apodado "Fandango" por su último movimiento, fue escrito con guitarra añadida, ya que fue encargado por un noble español aficionado a la guitarra. Adentrándose en el estilo español, Boccherini incluso incorpora una parte de castañuelas.
La compositora hispano-estadounidense Andrea Casarrubios no es ajena a los programas de Agarita. Su música es exuberante, expresiva, tangible y relevante, y continúa ampliando su repertorio de composiciones cada año. Nos honra recibir finalmente una obra completamente nueva de su autoría. Sobre esta obra, Itinerante, Casarrubios escribe:
Como caminar por una calle familiar en diferentes momentos de la vida, Itinerante describe cómo los lugares permanecen constantes aunque las circunstancias cambien. A lo largo de la obra, los temas regresan en formas alteradas, como las mismas calles recorridas en diferentes años: familiares, pero nunca iguales, recordándonos que siempre estamos de paso. Vahos contempla la impermanencia de la experiencia vivida en sí misma: los armónicos de la guitarra emergen y se disuelven casi en el mismo instante en que aparecen. La Lima, humorística y juguetona, eleva la humilde lima de uñas —compañera inseparable de todo guitarrista— a protagonista rítmica en medio de melodías festivas inspiradas en el bluegrass y las gaitas tradicionales riojanas. Itinerante fue encargada por el Festival de La Rioja y escrita para Pablo Sáinz-Villegas y Agarita, con sus estrenos en Texas (EE. UU.) y La Rioja (España) en 2026.
Los Cinco Preludios para guitarra de Heitor Villa-Lobos se encuentran entre las obras más queridas del repertorio del instrumento, fusionando la forma clásica con los colores y ritmos de Brasil. El Preludio No. 1, dedicado al "alma melancólica del brasileño," se despliega como una canción nostálgica. Sus arpegios iniciales crean una textura fluida, a modo de serenata, donde la melodía y el acompañamiento se fusionan en un único gesto expresivo. Una sección central más luminosa introduce una suave danza antes de que la música regrese al estado de ánimo tranquilo y reflexivo del comienzo.
El Cuarteto de Cuerdas en Sol menor de Claude Debussy revela su fascinación por el color y la textura, especialmente en este segundo movimiento, Assez vif et bien rythmé. Interpretada casi en su totalidad en pizzicato (cuerdas pulsadas), la música es nítida y percusiva, evocando con frecuencia el sonido de guitarras pulsadas y sugiriendo una sutil conexión con el estilo musical español, que fascinaba a Debussy. Una sección intermedia contrastante suaviza brevemente la textura, pero el ritmo permanece central. El resultado es una música que se siente vívida e intencional, pero a la vez esquiva y efímera.
El Claro de Luna ("Clair de Lune") de Claude Debussy es una de las obras más célebres que existen; sus radiantes y suspendidas armonías y su tierna lírica han cautivado nuestros corazones durante más de un siglo. Sin embargo, bajo su romántica familiaridad se esconden metáforas sobre la efímera naturaleza de la vida, y la luz y la sombra que gobiernan nuestra condición humana. El célebre poema homónimo de Paul Verlaine inspiró a Debussy a crear este vulnerable paisaje sonoro. Su poema se traduce como:
nuestra alma es un paisaje elegido donde encantadores enmascarados y bailarines se mueven, tocando el laúd y danzando — y casi tristes bajo sus fantásticos disfraces.
Mientras cantan en tono menor sobre el amor victorioso y la vida fácil, no parecen creer en su propia felicidad, y su canción se mezcla con la luz de la luna,
con la quieta luz de la luna, triste y hermosa, que hace soñar a los pájaros en los árboles, y hace sollozar de éxtasis a las fuentes — altas y esbeltas fuentes entre estatuas de mármol.
El compositor radicado en San Antonio Ethan Wickman nos dejó asombrados el año pasado con su monumental obra Shimmers of Byzantium, un viaje catártico sobre la divinidad, el tiempo y la mortalidad. Nos honra recibir otra nueva obra suya, creada especialmente para este proyecto, titulada An Immensity of Light. Sobre esta obra, Wickman escribe:
Al recibir el encargo de escribir esta obra para el guitarrista Pablo Sáinz-Villegas y los Agarita Chamber Players, la directriz implícita era clara: crear una obra que se comunique entre culturas, que trascienda barreras y que reduzca los espacios que nos dividen. Si hay un espíritu que une a estos luminosos músicos, es ciertamente este: la música pertenece a todos, en todas partes. Mi mente entonces se dirigió a un pasaje citado en un ensayo titulado Demasiadas opciones de Sir Michael Tippett: "Sé que mi verdadera función dentro de una sociedad que nos abraza a todos es continuar una tradición ancestral, fundamental para nuestra civilización, que se remonta a la prehistoria y avanzará hacia un futuro desconocido. Esta tradición consiste en crear imágenes desde las profundidades de la imaginación y darles forma, ya sea visual, intelectual o musical. Pues es solo a través de las imágenes que el mundo interior se comunica: imágenes del pasado; formas del futuro; imágenes de vigor para una época decadente; imágenes de calma para una de verdadera violencia; imágenes de reconciliación para mundos desgarrados por la división; y en una época de mediocridad y sueños destrozados, imágenes de belleza abundante, generosa y exuberante."
An Immensity of Light traza una geografía que explora el sondeo de un alma en crisis. Acosado por la confusión, la división, la contradicción y la duplicidad, el imaginado protagonista frenético se expande hacia afuera moviéndose hacia adentro, desacelerando hasta el ritmo de respiraciones profundas y deliberadas en busca de la epifanía. Escuchando atentamente, escucharán la guitarra y el piano en conversación dentro de una atmósfera pintada por un cuarteto de cuerdas que a la vez anticipa y refleja el diálogo. Tras un intercambio de paz entre la guitarra y el piano, sobreviene una épica epifanía, como si por un momento una inmensidad de luz iluminara el alma perturbada y su universo fracturado, y todo fluyera junto en una visión de esperanza, amor y reconciliación.
con la participación de
Aclamado como "el alma de la guitarra española", Pablo Sáinz-Villegas se ha convertido en una sensación mundial conocida como el gran guitarrista de esta generación. Ha sido elogiado por la prensa internacional como el sucesor de Andrés Segovia y un embajador de la cultura española en el mundo. Su "interpretación virtuosa caracterizada por una exuberancia irresistible" (The New York Times) lo convierten en uno de los solistas más aclamados por prestigiosos directores, orquestas y festivales. Es conocido por su interpretación apasionada, emotiva y generosa, ya sea actuando en salas de recital íntimas o tocando ante un público de más de 85.000 personas en el Estadio Santiago Bernabéu de Madrid junto al querido tenor Plácido Domingo, quien lo ha proclamado "el maestro de la guitarra". Juntos han actuado en el Hollywood Bowl de Los Ángeles y sobre un escenario flotante en el río Amazonas. Recientemente lanzaron "Volver", un álbum a dúo con Sony Classical. Pablo Sáinz-Villegas ha actuado en algunos de los escenarios más destacados del mundo, incluyendo Carnegie Hall en Nueva York, la Philharmonie de Berlín, el Musikverein de Viena y el Centro Nacional de Artes Escénicas de Pekín. Ha tocado en más de 40 países y con orquestas como la Filarmónica de Israel, la Filarmónica de Los Ángeles y la Orquesta Nacional de España. La revista Billboard lo nombró "el embajador mundial de la guitarra española" y, como apasionado promotor del desarrollo de nuevo repertorio, ha realizado numerosos estrenos mundiales, incluyendo la primera composición para guitarra del ganador de cinco premios de la Academia John Williams. Sáinz-Villegas se entrega a una búsqueda continua de formas innovadoras de inspirar a las comunidades, convencido de que "la música es una herramienta ideal para humanizar este mundo". Como soñador de toda la vida, educador y filántropo, ha llegado a más de 35.000 niños y jóvenes a través de su organización sin fines de lucro "The Music Without Borders Legacy" y a través de sus diversas colaboraciones como Artista en Residencia con orquestas y festivales.
Un virtuoso del violín de extraordinaria versatilidad y maestría artística, el violinista estadounidense Suliman Tekalli ha cautivado al público de todo el mundo como solista, músico de cámara y líder orquestal. Galardonado en numerosos concursos internacionales, más notablemente como máximo premiado en el Concurso Internacional de Música de Seúl 2015, Tekalli ha actuado como solista con orquestas de América del Norte y del Sur, Europa y Asia, apareciendo en prestigiosas salas como el Wigmore Hall, el Kennedy Center y el Centro de Artes de Seúl. Sus actuaciones han sido transmitidas por NPR, CBC Radio 3 de Canadá y KBS TV de Corea. Como destacado músico de cámara, ha participado en renombrados festivales como Music@Menlo, Yellow Barn y el Banff Centre. Sus colaboraciones incluyen actuaciones con Gil Shaham, Cho-Liang Lin, Donald Weilerstein, Paul Watkins, Wu Han y David Shifrin. Realiza giras regularmente por los continentes con su hermana y pianista Jamila Tekalli Hanner como el Dúo Tekalli. El señor Tekalli fue miembro del nominado al Grammy Catalyst Quartet y del aclamado internacionalmente y transgresor quinteto de cuerdas Sybarite5. Suliman es el actual concertino de la Orquesta de Cámara de Indianápolis, y también ha ejercido como concertino en conjuntos notables como la Orquesta de Cámara Orpheus, los New York Classical Players, los Sphinx Virtuosi y los International Sejong Soloists. El señor Tekalli ha realizado numerosas transcripciones y arreglos que han sido incluidos en el álbum Art of Transcription en el sello MSR Classics. Su compromiso con la música contemporánea lo ha llevado a colaborar con compositores como Caroline Shaw, Paul Wiancko, Andrea Casarrubios, Curtis Stewart, Michael Brown y Reena Esmail, entre otros. Como apasionado educador, ha impartido clases magistrales en Estados Unidos y América del Sur, y ha sido becario del Ensemble Connect de Carnegie Hall. También ha sido miembro del profesorado durante varios veranos en la Sphinx Performance Academy en la Escuela Juilliard y en el Instituto de Música de Cleveland. Ha ejercido como coach habitual para talentosos grupos de música de cámara de estudiantes preuniversitarios a través del Programa de Música de Cámara de la New York Youth Symphony desde 2021. El verano de 2026 lo verá actuar como intérprete y educador en el Rushmore Music Festival en Dakota del Sur, el Appalachian Chamber Music Festival en Virginia Occidental, Kinhaven en Vermont y el Festival de La Rioja en España. Tekalli comenzó sus estudios de violín con el violinista y pedagogo ruso Lev Gurevich. Continuó sus estudios en la Escuela Juilliard, el Instituto de Música de Cleveland y la Escuela de Música de Yale, bajo la tutela de estimados mentores como Hyo Kang, Joel Smirnoff, Sergiu Schwartz y Ayako Yonetani. Actualmente reside en Nueva York y toca tanto un violín Joseph Curtin de 2016 como el "Cobbett" Stradivarius de 1683.
Una comunicadora poderosa reconocida por su amplitud musical y versatilidad, la artista brasileño-estadounidense Clarice Assad es una voz artística significativa en los géneros clásico, música del mundo, pop y jazz, aclamada por sus evocadores colores, ricas texturas y diversa gama estilística. Prolífica compositora nominada al Grammy con más de 70 obras en su haber, ha recibido encargos de organizaciones, festivales y artistas de renombre internacional, y está publicada en Francia (Editions Lemoine), Alemania (Trekel), Brasil (Criadores do Brasil) y Estados Unidos (Virtual Artists Collective Publishing). Como intérprete muy solicitada, es una celebrada pianista y creativa vocalista que inspira y anima a las audiencias a liberar su imaginación de las limitaciones que a menudo se autoimponen. Assad ha lanzado siete álbumes en solitario y ha participado o ha tenido sus obras interpretadas en otros 34. Su música está representada en Cedille Records, SONY Masterworks, Nonesuch, Adventure Music, Edge, Telarc, NSS Music, GHA y CHANDOS. Su innovadora, accesible y galardonada serie VOXploration sobre educación musical, creación, composición e improvisación ha sido presentada en todo el mundo. Solicitada por artistas y organizaciones de todo el mundo, esta polifacética músico continúa atrayendo nuevos públicos tanto dentro como fuera del escenario.
Aclamado como "una nueva y segura voz musical" (The New York Times), "un gran descubrimiento" (The Philadelphia Inquirer) y "un talento compositivo plenamente maduro" (The Washington Post), la música de Chris Rogerson ha sido elogiada por su "belleza evocadora" y "exuberancia virtuosa" (The New York Times). La música de Rogerson se caracteriza frecuentemente por su lirismo: entre sus obras recientes más destacadas figuran Of Simple Grace, para el chelista Yo-Yo Ma, su concierto para violín, para Benjamin Beilman y la Orquesta Sinfónica de Kansas City, y Dream Sequence, para Anne-Marie McDermott y el Cuarteto Dover. La música de Rogerson ha sido programada en salas de todo el mundo, incluyendo Carnegie Hall, la Biblioteca del Congreso, el Kennedy Center, el Wigmore Hall de Londres, el Rudolfinum de Praga, Radio France y el Musikverein de Viena. En 2022 fue galardonado con el Premio Elise L. Stoeger de la Chamber Music Society of Lincoln Center, el honor más prestigioso otorgado por composición de música de cámara.
Ávido viajero que ha visitado más de 120 países, la obra de Rogerson evoca con frecuencia un sentido del lugar: Four Autumn Landscapes, un concierto para clarinete escrito para Anthony McGill, es un retrato de su ciudad natal de Buffalo, Nueva York, mientras que el Cuarteto de Cuerdas No. 4, encargado para el Cuarteto Escher, se nutre de su experiencia en un remoto rincón de Afganistán. Su primer concierto para piano, Samaa', elogiado como "cautivador" (Gramophone) y "evocador" (Minnesota Star-Tribune), fue encargado por Bravo! Vail para Anne-Marie McDermott y la Orquesta de Cámara de Saint Paul, e inspirado en un reciente viaje a Yemen.
Rogerson también colabora habitualmente con artistas de otras disciplinas: entre sus ejemplos recientes se encuentran Sacred Earth, para la mezzosoprano J'Nai Bridges con video del director nominado al Emmy y fotógrafo de National Geographic Keith Ladzinski, y Azaan, una obra de teatro escrita para la Orquesta Sinfónica de Oregón en colaboración con Dipika Guha. Su obra ha aparecido en diversos medios, desde la serie web del comediante Joe Pera "How to Make It in USA" hasta el ballet de la coreógrafa Claudia Schreier.
Otros encargos e interpretaciones han llegado de las orquestas sinfónicas de Atlanta, Houston, Indianápolis, Milwaukee, Nueva Jersey, New World y San Francisco, la Filarmónica de Buffalo y la Orchestra of St. Luke's. El señor Rogerson ejerció anteriormente como Compositor en Residencia de Young Concert Artists, así como Compositor en Residencia y Asesor Artístico de la Orquesta Sinfónica de Allentown y la Orquesta Sinfónica de Amarillo. Ha sido distinguido con premios y becas de la Academia Americana de Artes y Letras, la Fundación Theodore Presser, la Colonia MacDowell, Yaddo y Copland House. Sus próximos proyectos incluyen obras para el pianista Inon Barnatan, el guitarrista Pablo Sáinz-Villegas, la Orquesta Sinfónica de Kansas City y el Festival de Música de Aspen.
Nacido en 1988, el señor Rogerson estudió en el Instituto Curtis de Música, la Escuela de Música de Yale y la Universidad de Princeton con Jennifer Higdon, Aaron Jay Kernis, Martin Bresnick y Steve Mackey. En 2012, cofundó Kettle Corn New Music, una organización de presentación de nueva música en Nueva York, y actualmente se desempeña como su codirector artístico. En 2016, el señor Rogerson se incorporó al profesorado del Instituto Curtis de Música en Filadelfia, donde reside a tiempo completo con su labrador chocolate, Poppy.
Ethan Wickman (n. 1973), compositor y oudista, traza sus raíces musicales en los pioneros de la frontera occidental y una crianza en el sur de California donde los himnos, las canciones folclóricas, Beethoven y el surf rock dieron forma a su primer universo sonoro. Criado entre el vasto Pacífico y el desierto de Sonora, desarrolló un sentido de apertura y trascendencia que informa su música hoy en día. Wickman estudió piano, guitarra y canto antes de obtener títulos en composición (BM, Universidad Brigham Young; MM, Universidad de Boston; DMA, Universidad de Cincinnati-College Conservatory of Music). Sus estudios posteriores del oud y la música de Oriente Medio con Ramy Adly y Yurdal Tokcan profundizaron su paleta de colores modales y matices improvisatorios.
La música de Wickman fusiona el lirismo expresivo, las exuberantes armonías occidentales y las contemplativas inflexiones modales, creando espacios para la reflexión y la catarsis. Entre sus obras recientes se encuentran los oratorios To a Village Called Emmaus y That They Might Have Joy, y Shimmers of Byzantium, inspirado en el místico poema de W.B. Yeats Sailing to Byzantium. Su cantata Ballads of the Borderland explora la migración y la asimilación a través de amplias texturas y narrativas familiares.
Elogiado por The New York Times como "un compositor de facilidad e imaginación" y por WQXR por una música donde "lo sublime espiritual está sorprendentemente cerca", las obras de Wickman han sido interpretadas internacionalmente. Entre sus distinciones figuran el Premio Jacob Druckman (Festival de Música de Aspen) y encargos de la Barlow Endowment, el American Composers Forum y el Utah Arts Festival. Es Profesor de Composición y Teoría en la Universidad de Texas en San Antonio y ex Director Ejecutivo de la Barlow Endowment for Music Composition.
El compositor chileno-estadounidense Javier Farías es receptor de varios premios internacionales, entre ellos el Primer Premio en el Concurso de Composición Andrés Segovia, el Concurso Internacional de Composición “2 Agosto” y el Concurso de Composición Michele Pittaluga. En 2014 recibió el prestigioso Fromm Music Foundation Prize en la Universidad de Harvard por un concierto doble para guitarra compuesto para Sérgio Assad y Odair Assad y la Orchestra of the Americas.
El catálogo de Farías abarca una amplia variedad de formatos —desde guitarra sola y conjuntos completos de guitarras hasta música de cámara, obras corales y composiciones orquestales de gran envergadura. Ha escrito cinco conciertos para guitarra, y su música ha sido estrenada y grabada por artistas de renombre como Andy Summers, Daniel Binelli, el guitarrista de jazz Mike Stern y los guitarristas clásicos Eliot Fisk, Pablo Sainz-Villegas, Ben Verdery y David Tanenbaum. Sus obras también han sido interpretadas por agrupaciones y orquestas como Sphinx Virtuosi, PubliQuartet, Apollo Chamber Players, Cuarteto Latinoamericano, Agarita Chamber Players, Philharmonie Baden-Baden y Orchestra Filarmonica di Torino.
Su música para guitarra también forma parte del currículo de los principales conservatorios, como el Conservatoire de Paris, la Universidad de Yale, el San Francisco Conservatory of Music y la Royal Danish Academy of Music en Copenhague.
Elogiada por The New York Times por interpretaciones que “recorrieron toda la paleta de emociones” con un “sonido hermoso y una intensidad que mantiene al público al borde del asiento”, la compositora y violonchelista hispano-estadounidense nominada al Premio Grammy Andrea Casarrubios ha recibido encargos de orquestas y conjuntos de primer nivel, y se ha presentado como solista destacada en Europa, Asia, África y las Américas. La obra que da título a su álbum SEVEN fue nominada a un Premio Grammy® 2025 a la Mejor Composición Clásica Contemporánea.
Las composiciones de Casarrubios han sido programadas por instituciones como Carnegie Hall, la Chicago Symphony Orchestra, la Indianapolis Symphony Orchestra, la Charlotte Symphony Orchestra y la National Philharmonic, y han sido transmitidas por NPR, así como por emisoras nacionales en Argentina, Brasil, Francia, Suecia, Australia y España. Entre sus obras recientes se encuentran Afilador, encargada por la Chicago Symphony Orchestra, y Herencia para orquesta de cuerdas, una “creación conmovedora” (The Strad) y “un vínculo de humanidad a través de la música” (The Boston Musical Intelligencer). Herencia se estrenó en el Stern Auditorium de Carnegie Hall en 2023 y aparece en el álbum American Mirrors (2025) de Sphinx Virtuosi, publicado por Deutsche Grammophon.
Su aclamada obra SEVEN, “un intenso y elegíaco homenaje a los trabajadores esenciales durante la pandemia” (The New York Times), tuvo su estreno en Carnegie Hall en 2021 y ha sido interpretada en más de 36 países desde entonces. SEVEN fue nominada a un Premio Grammy® tras su lanzamiento en el álbum homónimo de 2024, en el que Casarrubios participa como violonchelista y compositora en siete de sus obras más recientes, incluidas colaboraciones con Manhattan Chamber Players y la Chicago Symphony Orchestra. Ganadora del Primer Premio en numerosos concursos y galardones internacionales, Casarrubios se ha presentado en múltiples ocasiones en Carnegie Hall, en el Centro Nacional de las Artes Escénicas de Pekín y en los festivales de Ravinia y Verbier.
Como solista invitada, sus compromisos incluyen el estreno mundial con la Charlotte Symphony Orchestra de su concierto a gran escala para violonchelo y orquesta, MIRAGE, dirigido por Christopher James Lees, así como conciertos en el Festival de Violonchelo de Bruselas, el Festival Internacional de Violonchelo de León en México y el Festival George Enescu en Rumanía. Otras apariciones recientes incluyen interpretaciones de la Sonata Arpeggione de Franz Schubert, en un arreglo para violonchelo y orquesta realizado por la propia Casarrubios. Es Compositora Residente del Festival de La Rioja 2026, y durante la temporada de verano estrenará en Nueva York su propio Doble Concierto para violonchelo, percusión y orquesta.
Casarrubios ha impartido clases magistrales en México, Brasil, Sudáfrica, España y China, así como en numerosos festivales e instituciones en Estados Unidos, entre ellas The Juilliard School, la Universidad de Colorado Boulder, la Universidad de Carolina del Norte, la Universidad Estatal de Missouri y la Universidad de la Ciudad de Nueva York. Entre sus maestros de violonchelo se encuentran Maria de Macedo, Lluis Claret, Amit Peled, Marcy Rosen y Ralph Kirshbaum. Es exalumna de Ensemble Connect de Carnegie Hall y, como parte de su doctorado en Nueva York, también estudió composición con John Corigliano.