Programa
Suliman Tekalli, violín
Caroline Shaw - Other Song
W. A. Mozart - Cuarteto de cuerda n.º 19, «Disonancia», KV 465 | Adagio - Allegro
Caroline Shaw - By & By | Will There Be Any Stars in My Crown | I’ll Fly Away
Caroline Shaw - Entr'acte
Caroline Shaw - Concierto para clave y cuerdas | Movimiento 1
Caroline Shaw - And So
Caroline Shaw - Concierto para clave y cuerdas | Movimiento 3
Caroline Shaw - What Are You After?
D. Shostakóvich - Preludio en la menor, Libro I
J. S. Bach / F. Busoni - Wachet auf
D. Shostakóvich - Fuga en la mayor
Caroline Shaw - How Do I Find You?
Toon Hermans - Lente me
Notas del Programa
Caroline Shaw es una compositora, violinista y cantante galardonada con los premios Grammy y Pulitzer, conocida por una voz musical distintiva que tiende puentes entre el pasado y el presente. Se nutre profundamente de formas históricas, incluida la polifonía renacentista, la danza barroca y las estructuras clásicas, reinterpretándolas a través de su propia mirada contemporánea. Nunca superflua, su música a menudo crece de manera orgánica a partir de una semilla sencilla, floreciendo desde sonidos y timbres experimentales que se acumulan hasta una revelación catártica. Su música se siente a la vez atemporal y recién descubierta, honrando la tradición mientras la transforma en algo vívidamente personal y moderno. Agarita se honra de tener la oportunidad de colaborar estrechamente con una de las compositoras-intérpretes más importantes de nuestro tiempo.
El programa comienza con Other Song, una invitación a buscar la luz en los lugares oscuros, descubrir la belleza en materiales antiguos y emprender juntos un viaje hacia lo desconocido. Tras cinco acordes repetidos, un mantra subyacente en esta canción, Caroline canta:
encuentra a dónde vas
detrás del resplandor está lo que sé
la melodía asciende cada vez más alto
la canción está en el pliegue
la armonía es fría
lo antiguo es nuevo, es siempre, siempre contado
voy a donde estás
sé que no hay
melodía asignada
la canción está en el pliegue
la armonía es fría
lo antiguo es nuevo [es antiguo] [es nuevo], es siempre, siempre contado
encuentra la línea
voy a donde vas
El Cuarteto de cuerdas n.º 19 de Wolfgang Amadeus Mozart, apodado el cuarteto «La Disonancia», comienza de una manera extraordinariamente inusual. La introducción en Adagio, que le valió su sobrenombre, desconcierta al oyente desde los primeros compases, con intervalos ásperos y modulaciones menores que no ofrecen ningún alivio sobre las notas de bajo insistentes y repetidas del violonchelo. Las líneas cromáticas se deslizan, las suspensiones se prolongan, y la sensación de do mayor —la tonalidad de la obra— aparece extrañamente velada. Para el público de la época, estas armonías resultaban impactantes; hoy suenan como si Mozart se asomara brevemente más allá del mundo clásico hacia algo más indagador y ambiguo. En relación con este concierto, percibimos el potencial de la música de Mozart para sentirse moderna en su búsqueda armónica. Pero este es, al fin y al cabo, un Mozart consciente de su público del siglo XVIII y de sus expectativas: la llegada de un brillante Allegro trae claridad y luz a la oscura crisis del inicio. Como último cuarteto del ciclo dedicado a su mentor Haydn, honra el equilibrio clásico a la vez que lo amplía discretamente. Se despliega una forma sonata elegante y equilibrada, llena de ingenio y distinción —y sin embargo, el recuerdo de la introducción persiste, con giros armónicos sutiles que evocan la inquietud anterior.
Para esta actuación, el primer movimiento del cuarteto de Mozart se corta intencionalmente, dejando paso al Entr'acte de Shaw, inspirado en Haydn. Sobre su cuarteto, Shaw escribe:
Entr'acte fue escrito en 2011 tras escuchar al Cuarteto Brentano interpretar el Op. 77 n.º 2 de Haydn —con su sobrio y emotivo giro al trío en re bemol mayor en el minueto. Está estructurado como un minueto y trío, tomando esa forma clásica como punto de partida y llevándola un poco más lejos. Me encanta la manera en que cierta música (como los minuetos del Op. 77) te transporta de repente al otro lado del espejo de Alicia, en una especie de transición absurda, sutil y de colores desbordantes.
En su ciclo de canciones By and By, Shaw recurre a la tradición del himno estadounidense y la reimagina desde dentro. Estas canciones familiares, transmitidas a lo largo de generaciones, son tratadas como memorias vivas, con sus melodías suavemente reconfiguradas. Originalmente un popular himno bautista antiguo, Will There Be Any Stars in My Crown? fue escrito en 1897 por Eliza E. Hewitt y musicalizado por John R. Sweney. El íntimo arreglo de Shaw se despliega como una meditación serena de espíritu interrogante.
Pienso hoy en aquella tierra hermosa
que alcanzaré cuando el sol se ponga;
cuando por gracia admirable ante mi Salvador me encuentre,
¿habrá alguna estrella en mi corona?
¿Habrá alguna estrella, alguna estrella en mi corona
cuando al atardecer el sol se ponga?
Cuando despierte con los bienaventurados en las moradas del descanso,
¿habrá alguna estrella en mi corona?
En la fuerza del Señor déjame laborar y orar,
déjame velar como quien gana almas,
para que estrellas brillantes sean mías en el día glorioso,
cuando su alabanza ruede como olas del mar.
¡Oh, qué alegría será cuando contemple su rostro,
depositar gemas resplandecientes a sus pies!
Endulzaría mi dicha en la ciudad de oro
que hubiera alguna estrella en mi corona.
Alto Rey del cielo, alcanzada mi victoria,
¡que llegue a los gozos del cielo,
oh brillante Sol celestial!
Corazón de mi corazón, pase lo que pase,
sé siempre mi Visión, oh Soberano de todo.
I'll Fly Away (originalmente de Albert E. Brumley, 1929) ofrece una sensación contrastante de ligereza, pero elude un tono puramente jubiloso. Shaw se apoya en la sencillez y apertura de la canción, permitiendo que se sienta menos como una proclamación y más como una suave liberación en el aire.
Alguna mañana dichosa, cuando esta vida termine,
volaré lejos;
hacia un hogar en la orilla celestial de Dios,
volaré lejos.
(Estribillo) Volaré lejos, oh Gloria, volaré lejos; cuando muera, aleluya, a su debido tiempo,
volaré lejos.
Cuando las sombras de esta vida se hayan ido,
volaré lejos;
como un pájaro de entre estas paredes de prisión volaré,
volaré lejos.
Oh, qué alegría y felicidad cuando nos encontremos,
volaré lejos;
sin más grilletes de hierro frío en mis pies,
volaré lejos.
Solo unos pocos días más de fatiga y entonces,
volaré lejos;
hacia una tierra donde la alegría nunca tendrá fin,
volaré lejos.
El Concierto para clavicémbalo de Shaw sitúa uno de los instrumentos más icónicos de la historia de la música en un mundo sonoro contemporáneo. En lugar de tratar el clavicémbalo como un artefacto histórico, Shaw emplea su timbre singular del mismo modo que los artistas de pop experimental de los años 60 y 70: como herramienta colorística y como forma de evocar una experiencia surreal y dislocada. Lo que comienza como una presentación de tríadas sencillas (acordes de tres notas) se convierte rápidamente en un frenético viaje a través de un bosque místico, a medida que la música gana velocidad y las cuerdas impulsan una dirección armónica desbordante. El misterio impregna el primer movimiento mientras la música lucha por encontrar una tonalidad estable, y tras desembocar en un final de pizzicatos inconexos (punteos de las cuerdas), el movimiento concluye sin resolución.
Para este programa, el Concierto para clavicémbalo será interrumpido por la canción de Shaw And So, que explora la frágil relación entre lenguaje, sonido y significado. El texto juega con los recursos poéticos de la rima, el metro y la repetición, preguntándose reflexivamente si las palabras tienen significado por sí mismas o solo a través de la conexión. Shaw se apoya en dos referentes literarios: Romeo y Julieta, con su interrogante sobre si un nombre determina la esencia, y la frase de Gertrude Stein «a rose is a rose is a rose», donde la repetición misma se convierte en significado. La canción de este programa funciona como un virtual «segundo movimiento» del Concierto para clavicémbalo: un aria introspectiva entre la acción instrumental.
¿Acaso una canción con otro nombre
sonaría igual de dulce y verdadera?
¿Seguirían siendo iguales todos los rojos
o las violetas tan azules?
Si te hubieras ido,
¿seguirían fluyendo las palabras
y rimarian contigo?
Si te hubieras ido,
¿sabría aún
cómo amar, y cómo crecer,
y cómo la vocal se enhebra?
Y así, dices tú, dice el refrán:
una rosa es una rosa es una rosa es una rosa
es una rosa es una rosa, es una rima gastada,
pero en el verso siempre hay tiempo.
¿Dejaría el escansión de marcar los tiempos si yo me fuera?
¿Interrumpiría una sílaba los pies de los yambos tetramétricos cuando yo no esté?
Escucha, y te cantaré una melodía de amor y vida, y de la prosa del océano,
y la poesía de una roja, roja rosa que casi ha florecido en junio.
Y así, dices tú, dice el refrán:
una rosa es una rosa es una rosa es una rosa
es una rosa es una rosa, así es como llevo
la cuenta del tiempo.
El tercer movimiento de su Concierto para clavicémbalo, al que regresaremos inmediatamente después de And So, arranca de golpe con un riff que bien podría escucharse en una guitarra eléctrica. Cuando esa energía maníaca y resuelta se disipa y encuentra una nueva dirección, las cuerdas conducen una oleada de transiciones sombrías que nos devuelve brevemente a una de las melodías escuchadas en el primer movimiento. Derivando hacia nuevos pasajes circulares de armonías modulantes guiadas por las incesantes semicorcheas del clavicémbalo, la música termina por posarse sobre un acorde de re mayor, como si nuestra protagonista se hubiera agotado por completo tras todas sus aventuras y hubiera caído rendida sobre la hierba.
En su obra What are you after? para viola solista y pedal de loop, Shaw construye una pieza a partir de frases breves y repetidas, y texturas cambiantes, para crear una sensación de búsqueda sin resolución. En algunos momentos las voces parecen alinearse; en otros, se separan, como si rodearan la misma idea desde distintos ángulos. Mediante el uso del pedal de loop, Shaw crea una textura tridimensional en diálogo en vivo consigo misma, dando lugar a un íntimo juego de memoria.
Muchos compositores, especialmente en el siglo XX, se han sentido atraídos por el ejercicio de Bach de componer 24 Preludios y Fugas, uno para cada tonalidad. En el caso de Dmitri Shostakovich, fue una pianista en particular quien encendió el impulso de acometer la tarea. En 1950, con motivo del bicentenario de la muerte de Bach, formó parte del jurado del Concurso Internacional Johann Sebastian Bach. Entre los requisitos para los concursantes figuraba preparar algunos Preludios y Fugas de los dos volúmenes. Una concursante —Tatiana Nikolayeva, de 26 años— se presentó con los 48 preparados, de modo que bastaba con preguntarle: «¿cuál desea escuchar?» Impresionado por Nikolayeva y con una inspiración renovada, Shostakovich completó su propio ciclo en seis meses y dedicó la obra a Nikolayeva. Su grabación de 1962 del ciclo completo, supervisada por el propio Shostakovich, es la de referencia. Al igual que la de Bach, estas obras constituyen un compendio de estados de ánimo y estilos, siendo cada Preludio y Fuga un pequeño poema individual que expresa su tonalidad particular. El Preludio en la menor es fugaz. Una rápida sucesión de figuras arpegiadas recorre el teclado hacia abajo, desplegando armonías familiares y sorprendentes, generando una actividad demasiado veloz para que el oyente pueda asirla con firmeza. Es un ejercicio de velocidad y textura, y quizás se escuche mejor de manera pasiva, dejando que las notas se conviertan en gestos más amplios que ofrezcan dirección y forma. Su Fuga en la mayor, en cambio, es paciente y serena, y constituye una manera muy distinta de explorar un simple arpegio, o acorde quebrado. El sujeto o melodía de esta fuga es precisamente eso: un arpegio en la mayor, explorado de arriba abajo y rotado para crear formas hermosas. Al igual que en la música de Shaw, Shostakovich explora aquí qué distintos colores y matices emergen cuando un único objeto melódico se gira y se pivota. Entre estas dos obras de Shostakovich se sitúa el Zion hört de J. S. Bach, extraído de su Cantata Wachet auf, ruft uns die Stimme, BWV 140, reimaginado por el compositor y pianista italiano Ferruccio Busoni. Busoni, nacido en 1866, impregna el movimiento con sus propias sensibilidades reflexivas y románticas, de modo que la música adquiere el carácter de un monumento o de un recuerdo poderoso. Fiel al contrapunto de la obra original de Bach, cuida con esmero de hacer resaltar cada melodía y contramelodía con singular relieve.
La canción How Do I Find You? de Shaw construye una meditación serena e íntima en torno al deseo de alcanzar a alguien a través de la distancia o la ausencia. El texto es escueto, pero cargado de anhelo. Mediante la suave repetición de frases, una serie ascendente de acordes en el piano y sutiles giros armónicos, la música permanece perpetuamente suspendida, circulando en lugar de resolverse. La escritura vocal es clara, insistente, y casi inmovilizada: frente a los movimientos ondulantes del piano, el oyente queda a la deriva.
Nuestro programa concluye con fragilidad y apertura. Shaw se inspiró para arreglar la canción Lente Me, originalmente del legendario cantante neerlandés de cabaret Toon Hermans. El resultado es una tierna y generosa carta de amor.
con la participación de
Caroline Shaw es una música que se mueve entre distintos roles, géneros y medios, tratando de imaginar un mundo sonoro que nunca ha sido escuchado pero que siempre ha existido. Trabaja frecuentemente en colaboración con otros, como productora, compositora, violinista y cantante. Caroline es receptora del Premio Pulitzer de Música 2013, varios premios Grammy, un doctorado honoris causa de Yale y una Beca Thomas J. Watson. Los proyectos de este año incluyen la banda sonora de Fleishman is in Trouble (FX/Hulu), trabajo vocal con Rosalía (MOTOMAMI), la banda sonora de The Sky Is Everywhere de Josephine Decker (A24/Apple), música para la producción de The Crucible del National Theatre (dir. Lyndsey Turner), Partita de Justin Peck con el NY City Ballet, una nueva obra escénica LIFE (Gandini Juggling/Merce Cunningham Trust), el estreno de Microfictions Vol. 3 para la Filarmónica de Nueva York y Roomful of Teeth, una partitura orquestal en vivo para el filme mudo Moby Dick de Wu Tsang cocompuesta con Andrew Yee, dos álbumes en Nonesuch (Evergreen y The Blue Hour), la banda sonora para la obra de danza Delicate Power de Helen Simoneau, giras de Graveyards & Gardens (obra teatral inmersiva cocreada con Vanessa Goodman), y giras con So Percussion con canciones de Let The Soil Play Its Simple Part (Nonesuch), además de ocasionales apariciones camerísticas como violista (Chamber Music Society of Minnesota, La Jolla Music Society). Caroline ha escrito más de 100 obras en la última década para Anne Sofie von Otter, Davóne Tines, Yo-Yo Ma, Renée Fleming, Dawn Upshaw, LA Phil, Philharmonia Baroque, Seattle Symphony, Cincinnati Symphony, Aizuri Quartet, The Crossing, Dover Quartet, Calidore Quartet, Brooklyn Rider, Miro Quartet, I Giardini, Ars Nova Copenhagen, Ariadne Greif, Brooklyn Youth Chorus, Britt Festival y el Vail Dance Festival. Ha contribuido como productora en álbumes de Rosalía, Woodkid y Nas. Su trabajo como cantante o compositora ha aparecido en varias películas, series de televisión y podcasts, entre ellos The Humans, Bombshell, Yellowjackets, Maid, Dark, Homecoming de Beyoncé, Tár, Dolly Parton's America y More Perfect. Su color favorito es el amarillo y su olor favorito es el romero.
Violinista virtuoso de extraordinaria versatilidad y artisticidad, el violinista estadounidense Suliman Tekalli ha cautivado al público de todo el mundo como solista, músico de cámara y líder orquestal. Galardonado en numerosos concursos internacionales, y más notablemente como primer premio en el Concurso Internacional de Música de Seúl 2015, Tekalli ha actuado como solista con orquestas de América del Norte y del Sur, Europa y Asia, presentándose en prestigiosas salas como el Wigmore Hall, el Kennedy Center y el Seoul Arts Center. Sus actuaciones han sido transmitidas por NPR, CBC Radio 3 de Canadá y KBS TV de Corea. Como destacado músico de cámara, ha participado en reconocidos festivales como Music@Menlo, Yellow Barn y el Banff Centre. Entre sus colaboraciones figuran actuaciones con Gil Shaham, Cho-Liang Lin, Donald Weilerstein, Paul Watkins, Wu Han y David Shifrin. Regularmente recorre los continentes junto a su hermana y pianista Jamila Tekalli Hanner como el Dúo Tekalli. El Sr. Tekalli fue miembro del nominado al Grammy Catalyst Quartet y del aclamado y transgresor quinteto de cuerdas Sybarite5. Suliman es el actual concertino de la Indianapolis Chamber Orchestra, y también ha ejercido como concertino en conjuntos de renombre como la Orpheus Chamber Orchestra, New York Classical Players, Sphinx Virtuosi y los International Sejong Soloists. El Sr. Tekalli ha realizado numerosas transcripciones y arreglos que han sido incluidos en el álbum Art of Transcription del sello MSR Classics. Su compromiso con la música contemporánea lo ha llevado a colaborar con compositores como Caroline Shaw, Paul Wiancko, Andrea Casarrubios, Curtis Stewart, Michael Brown y Reena Esmail, entre otros. Como apasionado educador, ha impartido clases magistrales en Estados Unidos y América del Sur, y ha sido fellow del programa Ensemble Connect del Carnegie Hall. También ha ejercido como miembro del profesorado durante varios veranos en la Sphinx Performance Academy de la Juilliard School y en el Cleveland Institute of Music. Desde 2021 ejerce regularmente como coach de grupos de música de cámara para jóvenes preuniversitarios a través del New York Youth Symphony Chamber Program. El verano de 2026 lo verá como intérprete y educador en el Rushmore Music Festival de Dakota del Sur, el Appalachian Chamber Music Festival de Virginia Occidental, Kinhaven en Vermont y el Festival de La Rioja en España. Tekalli inició sus estudios de violín con el violinista y pedagogo ruso Lev Gurevich. Posteriormente estudió en la Juilliard School, el Cleveland Institute of Music y la Yale School of Music, formándose bajo la tutela de reconocidos maestros como Hyo Kang, Joel Smirnoff, Sergiu Schwartz y Ayako Yonetani. Actualmente reside en Nueva York y toca tanto un violín Joseph Curtin de 2016 como el Stradivarius «Cobbett» de 1683.